Schauspielerei ist für mich das unglaubliche Abenteuer, die Landschaft des menschlichen Herzens und der Seele zu erforschen.    

Glenn Close

Schauspieler und Schauspielerinnen auf der Kinoleinwand, im Fernsehen und auf der Theaterbühne haben die Kraft, Zuschauer auf der ganzen Welt zu verzaubern und - im guten Sinne - zu beeinflussen. Um ihr Handwerk zu erlernen und Meister in ihrem Fach zu werden, haben die meisten von ihnen eine fundierte Ausbildung und viele Unterrichtsstunden in Schauspieltechnik hinter sich, in denen sie die verschiedenen Methoden erlernt haben.

Manche der bekanntesten Techniken wurden von berühmten Schauspielern und Schauspielerinnen wie Meryl Streep, Helen Mirren, Daniel Day-Lewis, Al Pacino und Marilyn Monroe angewendet.

Auch wenn für Film und Fernsehen eine professionelle Ausbildung nicht immer benötigt wird, hilft Schauspielunterricht um seine Fähigkeiten zu verbessern und steigert die Chancen bei Castings.

Superprof zeigt dir hier sechs Schauspieltechniken, die jeder Jungschauspieler, jede Jungschauspielerin kennen sollte: Klassisches Schauspiel, Stanislawski Methode, Method Acting, Meisner Technik, Brecht-Theater und Performance Theater.

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Klassisches Schauspiel

Klassisches Schauspiel entwickelte sich im 19. Jahrhundert und legte den Grundstein für die berühmte Theorie des Schauspiellehrers Konstantin Stanislawski.

Stanislawski war der Meinung, dass die Darsteller das Stück und den Text ihrer Figur gründlich analysieren müssen, um die Charaktere persönlich zu entdecken um eine realistische Darstellung verkörpern zu können.

Sein Buch „ die Arbeit des Schauspielers an sich selbst“ wurde Mitte des 20. Jahrhunderts auf Deutsch übersetzt.

Sense Memory, innere und äussere Motivation

Die Lehre des klassischen Schauspiels verfolgt die Prinzipien, dass der Schauspieler sich mit dem Charakter identifizieren muss, um eine Figur glaubwürdig darstellen zu können. Dieses Grundprinzip wird im Theater in fast allen europäische Ländern seit Generationen praktiziert, aber es hat sich in den verschieden Kulturen unterschiedlich stark weiterentwickelt. Während in der angelsächsischen Kultur nicht nur im Film, sondern auch auf der Bühne nach wie vor sehr naturalistisch gespielt wird - der Schauspieler und die Figur sind eins - ist im deutschsprachigen Raum das Prinzip des Regietheaters weit verbreitet. Beim Spiel stellt sich viel mehr die Frage, was sage ich mit meiner Darstellung über die Figur und das Stück aus. Man hat ausserdem, je nach Regie, mehr oder weniger Distanz zur Rolle und stellt sein Spiel in den Dienst der allgemeinen Aussage des Stückes und der Regiehandschrift.

Deshalb ist es besonders im deutschsprachigen Raum als Jungschauspieler und Jungschauspielerin wichtig, jede Schauspieltechnik kennen zu lernen. 

Klassisches Schauspiel wird an allen staatlichen und privaten Schauspielschulen unterrichtet und bildet eine wichtige Basis vor allem für die Theaterarbeit. Auch privater Schauspielunterricht fußt meistens auf dieser Technik.

Interessierst du dich für die klassische Schauspieltechnik? Bilde dich mit unserem Artikel weiter.

Drei alte Bücher aufgestellt im Regal, vorne Shakespeare's Hamlet. Um Shakespeare zu spielen benötigst du viel Schauspieltechnik.
Klassisches Schauspiel sieht man vor allem auf der Bühne, zum Beispiel in Stücken von Shakespeare. / Quelle: Max Muselmann_unsplash

Stanislawskis Methode bzw. System

Stanislawski hat den Großteil der zeitgenössischen Spieltechniken inspiriert.

Er wurde 1863 geboren und starb 1938 im Alter von 75 Jahren. Gemeinsam mit dem Theaterautor und Regisseur Vladimir Nemirovich Danchencko gründete er 1898 das Tschechow-Kunsttheater Moskau. Er entwickelte seine Technik, indem er seine jahrelang gesammelten Notizen über seine Arbeit am Tschechow-Kunsttheater Moskau und an anderen Spielstätten analysierte. Zum ersten Mal tauchte sein System 1909 bei den Proben zu einem Theaterstück auf. Nach ein paar Jahren der Perfektionierung seiner Theorien bestand er darauf, dass in jeder Arbeit an seinem Theater mit seiner Methode gearbeitet werden sollte. Seine Methoden werden noch heute von vielen Film - und Theaterschauspielern angewendet. Stanislawski gilt auch heute noch als der wichtigste Schauspielmeister.

Die wichtigste Sache, die Schauspieler beim Stanislawski System in Erinnerung behalten müssen, ist die vollständige Verinnerlichung der Rolle die sie spielen.

Weitere Aspekte des Stanislawski Systems beinhalten den Realismus auf der Theaterbühne, die gegebenen Umstände, emotionale Erinnerung und das magische „wenn“. Stanislawskis Arbeit sollte aber nicht mit dem Method Acting von Lee Strasberg verwechselt werden, das in den 50er Jahren in den USA entwickelt wurde.

Die Stanislawski Methode wird heute vor allem in Schauspielschulen im Osten Europas und in deutschsprachigen Schauspielschulen mit Ost-Tradition wie die Hochschule für Schauspiel Ernst Busch in Berlin oder die Hochschule für Schauspiel in Leipzig gelehrt. Aber es gibt auch private Schauspielkurse, in denen man die Technik lernen kann.

Unser Artikel über das Stanislawski System führt dich weiter in seine Arbeitsweise ein.

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Method Acting

Die Method Acting Technik ist eine der bekanntesten und auch kontroversesten Methoden. Entwickelt wurde die Methode  vom polnisch stämmigen Schauspieler und Regisseur Lee Strasberg. Strasberg war Co-Gründer des Group Theatre und erster künstlerischer Direktor des Actor Studio in New York City. Noch heute pilgern Schauspielstudenten aus der ganzen Welt ans Actor Studio, um dort seine Methode zu erlernen. 

Lee Strasberg hatte bei einer USA -Tour des Tschechow-Kunsttheater Moskau im Jahr 1920 die Gelegenheit, mehrere Vorstellungen der Truppe zu besuchen. Stark beeindruckt von der Stanislavski Technik arbeitete er in Folge an der Entwicklung seiner eigenen Methode, denn er realisierte schnell, dass die Schauspieltechnik von Stanislawski die Theater - und Filmwelt revolutionieren würde. Er besuchte viele Klassen bei Schauspiellehrern, die wiederum bei Konstantin Stanislawski gelernt hatten und entwickelte daraus im späteren Verlauf seine eigene Methode, genannt Method Acting.

Method Acting kann man als inneres und psychologisches Schauspiel verstehen, bei dem der Schauspieler, die Schauspielerin minutiös realistisches Verhalten in hypothetischen Situationen trainiert. 

Fundamentale Elemente der Method sind einerseits das völlige Loslösen von täglichen Sorgen, indem man „eine leere Tafel“ schafft, um darauf die Emotionen der Rolle im Moment richtig spüren und verkörpern zu können. Das schafft man unter anderem mit Entspannungsübungen. Dabei herrscht eine Hyper-Aufmerksamkeit auf den Sinnen. Andererseits bedient man sich bereits erlebten, die im richtigen Moment hoch kommen und mit der Rolle verschmelzen. Das kann zu problematischen Verschmelzungen von Schauspiel und privaten Empfindungen kommen, weshalb heute die Method kontrovers angeschaut wird.

Viele Berühmtheit haben mit der Method gearbeitet, um ikonische Filmrollen zu verkörpern. Daniel Day-Lewis’ Darstellung in „Mein linker Fuß“, Charlize Theron’s Portrait von Aileen Wuornos im Film „Monster“ und Robert de Niro’s Arbeit in „Taxi Driver“, sind exzellente Beispiele für Glanzleistungen von Method Schauspielern.

Wenn du dich für eine psychologische Schauspieltechnik interessierst, empfehle ich dir unseren ausführlichen Artikel über Method Acting zu lesen.

In jeder Rolle, die du spielst, steckt ein bestimmter Anteil von dir selbst drin. Das muss so sein, sonst ist es einfach keine Schauspielerei. Dann ist es Lügen.

- Johnny Depp

Ein junges Mädchen steht selbstbewusst auf der Straße, im Hintergrund eine Kinotafel. Interessierst du dich für authentisches Schauspiel?
Mit Method Acting lernt man das Einfühlen in besondere Charaktere und übt sich in Selbstbewusstsein. / Quelle: Joshua Raw_unsplash

Meisner Technik

Sanford Meisner ist 1905 geboren und gilt einer von den besten Schauspiel Coaches aller Zeiten. Er hatte seine Technik entwickelt, nachdem er mit Lee Strasberg und Stelle Adler beim Group Theatre in New York gearbeitet hatte. Nachdem er dieses verlassen hatte, schloss er sich dem Neighbourhood Playhouse an, und perfektionierte seine Technik während er dort arbeitete. Bis heute gilt „The Neighbourhood Playhouse“ als Heimstätte der Meisner Technik. Oft wird Meisner mit Strasberg’s Methode verwechselt, da beide Theorien auf Stansilawskis System fußen. Sie sind aber nicht zu verwechseln. Die Meisner Technik ist bekannt als „wahrhaftiges Schauspielen“, da die Schauspieler bei der Technik aus ihrem Kopf in den Instinkt in der momentanen Situation gehen. Dies geschieht in engem Zusammenspiel mit dem Umfeld und, ganz wichtig, den Mitspielenden.

Wichtige Aspekte in der Meisner Technik sind Wiederholungen, wahrhaftiges Schauspiel, Improvisation und Vorstellung, welche alle zu einer realistischen und glaubwürdigen Darstellung beitragen.

Da die Meisner Technik eine der bekanntesten Schauspieltechniken ist, kann sie an vielen Schulen und in vielen Workshops gelernt werden. Vor allem in der angelsächsischen Film - und Theaterlandschaft ist die Meisner Technik sehr verbreitet.

Zu bekannten Meisner Schauspielern und Schauspielerinnen gehören Diane Keaton (Annie Hall, der Pate und Mavins Töchter), Robert Duval (Apocalypse Now, Comeback der Liebe und der Richter - Recht oder Ehre) und Sandra Bullock (Micc Congieniality, Speed und die große Chance).

Weitere Informationen über die Meisner Technik für Film- und Fernsehschauspieler findest du in unserem Artikel.

Ein Schauspieler sitzt unscharf im Hintergrund auf einem Stuhl und wird von einer Frau betreut, im Vordergrund eine Filmklappe. Sanford Meisner eignet sich perfekt für Filmschauspiel!
Das Grundlagentraining von Meisner eignet sich sehr gut für Schauspieler bei Film und Fernsehen! / Quelle: Avel Chuclanov_unsplash

Das Brecht Theater

Bertolt Brecht wurde 1898 geboren und ist bekannt für seine Theaterstücke und Gedichte. Brechts Schauspieltechnik, welche von ihm entwickelt wurde, war in den Jahrzehnten nach dem zweiten Weltkrieg sehr populär und wird bis heute von vielen Theaterregisseuren - und Regisseurinnen als Mittel eingesetzt. Das zeitgenössische deutschsprachige Theater ist ohne Brecht nicht vorstellbar. 

Sehr bekannt sind seine ausserordentlich politischen Theaterstücke, denen seine marxistischen Gedanken zu Grunde liegen. Brecht wollte nicht, dass sein Publikum sich gemütlich hinsetzte und sich in Geschichten und Ideen verlor; er wollte Zuschauende, die das Theater mit einer eigenen Meinung über soziale, ökonomische und politische Belangen verliessen. Bekannte Stücke von Brecht sind „Mutter Courage und ihre Kinder“, „das Leben des Galileo“ und „der gute Mensch von Sezuan“. Seine Stücke galten schon bei den Uraufführungen als provokant, ironisch und behandelten Themen, die die Leute wirklich interessierten. Als berühmte „Brecht-Schauspielerin“ ging seine zweite Frau und Direktorin des Berliner Ensembles Helene Weigel in die Geschichte ein.

Schauspieler und Schauspielerinnen arbeiten in der Schauspielkunst nach Brecht mit dem Verfremdungseffekt (Auch V-Effekt genannt) und dem Gestus. Beim V-Effekt hält der Darstellende immer eine Distanz zur Figur und dem Bühnengeschehen. Der Begriff Gestus wurde von Brecht ins Leben gerufen und beinhaltet die Kombination von Geste und sozialer Bedeutung innerhalb einer Aktion.

Brecht wird auch mit dem Genre des epischen und dialektischen Theaters in Verbindung gebracht. Episches Theater ist hoch politisch und zwingt das Publikum, darüber nachzudenken, weshalb spezifische Momente auf der Bühne stattfinden und aus welchem Grund sie genau so geschehen. Episches Theater unterscheidet sich vom dramatischen Theater insofern, als dass das Narrativ fragmentarisch daher kommt und durch die Zeit springen kann. Es ist muss nicht chronologisch sein und die Charaktere werden ohne persönliche Anbindung dargestellt. Alle Stücke behandeln einen Streitfall und drücken eine klare politische Haltung aus.

Zu berühmten Künstlern, die von Brecht beeinflusst wurden gehören Lars Von Trier und Jean Luc Godard.

Wenn du dich vertiefender mit Theaterschauspiel beschäftigen möchtest, findest du im Artikel über Brechts Theater viele hilfreiche Informationen.

Performance Theater

Performance Theater kann vieles beinhalten und spielt mit verschiedenen Elementen wie Bildende Kunst, Tanz, dokumentarischem Material, Musik, Multimedia und vielem mehr. In der Performance steht das Experiment vor dem Ergebnis, stiller Begleiter ist immer der Zufall. Als Schauspieler schlüpft man nicht in eine Rolle, sondern stellt sich dem Ereignis zur Verfügung, oft gleichwertig mit anderen Ausdrucksmitteln und oft auch mit Elementen aus der eigenen Biografie.

Das Performance Theater entstammt der Bildenden Kunst. Mitte des 20. Jahrhunderts bemühten sich Künstler und Künstlerinnen wie Joseph Beuys oder Vali Export, die traditionellen Grenzen der Kunst zu sprengen. Bei Happenings experimentierten sie mit allen möglichen Materialien und dem eigenen Körper. Daraus entwickelte sich die Performance Kunst, welche oft im öffentlichen Raum oder in Galerien stattfand. Dem Publikum kam, freiwillig oder nicht, eine besondere Rolle zu, indem sie sich zu dem gesehenen verhalten sollten. 

In den 80er Jahren fand Performance nach und nach auch im Theater Einzug. Heute arbeiten viele Gruppen und Kollektive am Theater transdisziplinär und entwickelten Formen der Performance in verschiedene Richtungen weiter, wie immersives Theater, Tanztheater oder Dokumentartheater. Unser Artikel über Performance Theater bringt dir diese spezielle, aber im deutschsprachigen Raum sehr wichtige Theaterform näher.

zwei Frauen stehen hinter einander auf der Bühne, in eine weisse Tunika gewickelt, weissen Lehm in Gesicht und Haar, mit den Armen nach vorne abstrakte Figuren machend. Theater kann viele Formen haben!
Bewegt sich das Theater nahe der Kunst, kann eine ganz besondere Schauspieltechnik gefragt sein. / Quelle: Daniels Joffe_unsplash

Alle diese erwähnten Methoden sollen Schauspieler und Schauspielerinnen darin trainieren, ihr Handwerk zu perfektionieren. Eine Schauspielmethode zu wählen, die dir und deinen künstlerischen Fähigkeiten entspricht, wird dich auf eine fruchtbare Karriere im Business vorbereiten. Zieht es dich auf die Bretter, die die Welt bedeuten? Dann versäume es nicht, dir mehrere Schauspieltechniken anzueignen. Mit spielerischer Flexibilität wirst du sehr punkten können! Und falls es dich auf die große Leinwand zieht, verzweifle nicht: neben einer guten Schauspieltechnik wirst du vor allem einen langen Atem und eine große Portion Glück brauchen!

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Vera

aus der Pädagogik komme ich, in Kunst und Kultur bin ich zu Hause, Europäerin bin ich, Sprache(n) liebe ich, Neugierde und Offenheit möchte ich immer behalten.