Kunstbewegungen waren schon immer von Veränderungen und starken Ausdrucksformen geprägt und vermitteln oft die Art und Weise, wie Menschen die Welt zu ihrer Zeit wahrnahmen. Hier stellen wir Dir sechs verschiedene Kunststile vor und erklären, wodurch sie sich auszeichnen.

Veränderungen waren häufig der Anlass für Kunstbewegungen der Moderne.
Kunstbewegungen sind geprägt von Veränderung. (Quelle: Unsplash)

Die Höhepunkte der Pop Art

ab Ende der 1950er Jahre

Pop-Künstler des 20. Jahrhunderts fanden, dass die bildende Kunst zu weit vom Leben der modernen Menschen entfernt war. Also schufen sie eine Kunstform, die die Zeit repräsentierte, in der sie lebten. Sie ließen sich von allem um sie herum inspirieren - von Suppendosen bis hin zu Hollywood-Berühmtheiten.

Die Pop-Art-Bewegung war von den USA bis nach Großbritannien berühmt, obwohl die britischen Künstler der Moderne einen anderen Stil hatten. Kunstkritiker stellten oft in Frage, ob dieser dekorative Kunststil tatsächlich Kunst sei, da es an Pinselführung mangelte.

Pop Art Künstler James Rosenquist

James Rosenquist wurde in eine Familie von Piloten geboren, die aus beruflichen Gründen häufig umzogen. Rosenquist wuchs zu einem sehr unabhängigen Piloten heran, der von klein auf in verschiedenen Gelegenheitsjobs arbeitete, um Geld zu verdienen.

Da Papier zu dieser Zeit knapp war, begnügte sich Rosenquist mit Zeichnungen auf weggeworfenen Tapeten. Seine Mutter, die Amateurmalerin war, bemerkte sein Talent und unterstützte Rosenquist mit Reisen zu Kunstschulen, Museen und Galerien.
All dies führte dazu, dass er ein Stipendium an einer angesehenen Kunstschule gewann, wo er mit echten Künstlern arbeiten konnte.

Um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten, nahm er einen Job als kommerzieller Schildermaler an, der harte Arbeit war und viel Mühe kostete. Diese Erfahrungen waren einige der grundlegenden Punkte in Rosenquists Leben, die seinen künstlerischen Stil und späteren Erfolg prägten.

  • Top-Kunstwerke: President Elect (1960/61), F-111 (1964/65), Marilyn Monroe I (1962), Swimmer in the econo-mist (1997/98), Stowaway peers out of the speed of light (2000)
  • Geburtsort: USA
  • Lebenszeit: 1933 - 2017
  • Kunststil: Pop Art
  • Kunstformen: Malerei

Das berühmte Pop Art Kunstwerk "Marilyn Diptych" (1962)

Der Begriff "Diptych" steht für ein Kunstwerk mit 2 Tafeln, wie man sie in der frühen religiösen Kunst oft wiederfindet. Durch geschickte Symbolik sollen sie den Kult einer Berühmtheit mit dem Kult einer Religion künstlerisch verbinden.

Das Bild des Pop Art Künstlers Andy Warhol zeigt Marilyn Monroe's Kopf, der wiederholt und wie Produkte auf einem Regal gestapelt wird. Auf der rechten Seite sind die Köpfe farbig, und auf der linken Seite sind sie schwarz-weiß. Das dramatische Verblassen, das zu sehen ist, stellt das Verblassen von Monroes Ruhm dar.

Marylin Diptych hat einen spannenden Hintergrund, den man zunächst nicht vermutet.
Das berühmte Bild von Andy Warhol hat eine tiefere Bedeutung als man zunächst vermutet. (Quelle: Unsplash)

Die Höhepunkte des Surrealismus

ab Ende der 1920er Jahre

Surrealisten interessierten sich für Träume und das Unbewusste. Sie versuchten, ihr Werk zu erforschen und zu präsentieren, ohne die geschaffenen Bilder zu rationalisieren. Sie entsprangen vollständig der Phantasie und waren Kunst in ihrer reinsten Form.

Surrealismus Künstler Max Ernst

Max Ernst, schockiert von seiner Zeit als Soldat im Ersten Weltkrieg, brachte sein Trauma später auf die Leinwand, indem er die westliche Kultur verspottete. Er wurde sowohl in der surrealistischen als auch in der Dada-Bewegung einflussreich.

Für seine freimütige Fähigkeit, seine unbewussten Gedanken und Gefühle in der Kunstform zu entdecken, darzustellen und zu offenbaren, gewann er viel Anerkennung.

  • Top Kunstwerke: Hier ist noch alles in der Schwebe (1920), Celebes (1921)
  • Geburtsort: Deutschland
    Lebenszeit: 1891 - 1976
  • Kunststile: Surrealismus, Dadaismus
  • Kunstformen: Malerei und moderne Skulptur

Das berühmte surrealistische Werk "Metamorphose des Narziss" (1937)

Salvador basierte sein Kunstwerk auf einer Interpretation des griechischen Narziss-Mythos: Ein schöner Mann, der die Herzen aller, die ihn liebten, brach, verwandelte sich in eine Blume, weil er sich unwissentlich in sich selbst verliebte und dann Selbstmord beging, als er enthüllt wurde.

In seinem 1937 entstandenen Gemälde stellt Dalí Themen von Leben und Tod in den Vordergrund und verwendet Symbolik, um seine Vorstellung von Zeit und Emotionen zu vermitteln.

Die Höhepunkte des Kubismus

ab 1907

Der Kubismus stellt die visuelle Wahrnehmung in Frage, indem er alle Seiten eines Gegenstandes gleichzeitig präsentiert. Zudem stand die Bewegung des Kubismus vergangener Kunst und Komposition kritisch gegenüber.

Kubismus Künstler Pablo Picasso

Gemeinsam mit George Braque hat Pablo Ruiz Picasso den Kubismus mitbegründet, obwohl er den Begriff nicht mochte. Er gilt als einer der einflussreichsten jungen Künstler des 20. Jahrhunderts, erfand die Collage und legte den Grundstein für andere Kunstströmungen wie den Symbolismus und Surrealismus.

  • Top Kunstwerke: Drei Tänzerinnen (1925), Der alte Gitarrenspieler (1904), Weinende Frau (1937), Stierkopf (1942)
  • Geburtsort: Spanien
  • Lebenszeit: 1881 - 1973
  • Kunststil: Kubismus, Surrealismus, Symbolismus
  • Inspiriert durch: Geometrische Formen, abstrakte Maler wie Jackson Pollock, surrealistische Künstler
  • Kunstformen: Malerei, Druck und Bildhauerei

Das berühmte kubistische Kunstwerk "Guernica" (1937)

Inspiriert von abstrakten Künstlern ist "Guernica" eines der wichtigsten Werke von Pablo Picasso. Das Wandbild stellt eine Szene des Bürgerkriegs in Spanien dar und öffnete den Menschen die Augen für die Auswirkungen des Krieges.

Das 1937 entstandene Werk war ein symbolisch-kubistisches Meisterwerk, das knapp 8 Meter lang und gut 3 Meter hoch war. Während das Bild auf den ersten Bild wie ein trauriges monochromes Durcheinander wirkt, trägt jedes Detail eine Bedeutung in sich.

Auf den zweiten Blick lassen sich in Kunstwerken der modernen Epoche häufig versteckte Botschaften finden.
Moderne Kunst enthält bei genauem Hinsehen oftmals versteckte Botschaften. (Quelle: Unsplash)

Die Höhepunkte des Impressionismus

ab 1860

Die Impressionisten wollten raus aus dem Atelier und an die frische Luft, sie wollten sich durch natürliche, spontane Komposition inspirieren lassen. Es bedurfte keiner Vorbereitung oder Vorplanung, und das Licht spielte bei den Werken eine große Rolle. In der Kunstkritik wurde oft über die Pinselführung gesprochen, die ihnen als unfertig erschien.

Impressionismus Künstler Edgar Degas

Edgar Degas interessierte sich für die Formen des menschlichen Körpers und genoss es, ihn in verzerrten Positionen einzufangen. Statt auf traditionelle Weise malte er besonders gerne die weibliche Form. Er suchte Modelle in neuen Situationen wie Tanz, Straßenszenen oder dem Bordell. Tatsächlich war es die Wahl seines Modells, die Degas die meiste Kritik einbrachte.

Degas' Kompositionen geben einem das Gefühl, ein distanzierter Zuschauer zu sein, der auf etwas blickt, das er eine Million Mal gesehen, aber nie für würdig befunden hat, eingefangen zu werden. Er fängt die Zwischenmomente des Lebens ein, so wie jemand, der hinter den Kulissen lauert und Geheimnisse notiert, sobald man die Tür zur Außenwelt geschlossen hat.

  • Top Kunstwerke: Der Tanzunterricht (1871 - 1874), Bühnenprobe (1874), Nackte beim Kämmen (1887 - 1890)
  • Geburtsort: Frankreich
  • Lebenszeit: 1834 - 1917
  • Kunststil: Impressionismus, Realismus, Japonismus
  • Kunstformen: Malerei, Druckgrafik und Skulpturen

Seerosenbilder als berühmte impressionistische Kunstwerke

Die Oberfläche dieser Gemälde ist rau, wenn man sie aus der Nähe betrachtet, aber aus der Ferne erscheinen sie glatt. Es gibt Hunderte dieser Bilder in Museen auf der ganzen Welt. Einige sind riesig und andere klein, aber sie alle ziehen einen mit visueller Lebendigkeit, Neugierde und Intrige in ihren Bann..

Man hat das Gefühl, dass Claude Monet mit der Idee der Dauerhaftigkeit und Vergänglichkeit spielt. Das, was man sieht, hängt abhängt, wo man steht. Das Wasser ist einerseits die permanente Grundlage, aber gleichzeitig verändert es sich ständig. Wenn man das Gefühl hat, zu wissen, was man sehen wird, verändert es sich. Eine schöne philosophische Art, viele Dinge im Leben zu betrachten. Impressionistische Maler verwendeten diese Technik oft in ihren Gemälden.

Die Höhepunkte des Expressionismus

ab 1912

Die Expressionisten wollten sich von den klassisch gelehrten Techniken lösen und ihre Emotionen auf der Leinwand ausdrücken. Dicke und wirbelnde Pinselstriche bestimmten den Stil. Expressionistische Künstler schufen so eine Möglichkeit, sich emotional auszudrücken.

Der expressionistische Künstler Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky wurde 1866 in Moskau als Sohn großbürgerlicher Eltern geboren. Schon von klein auf zeigte er eine Begabung für die Kunst durch Töne, Worte und Farben. Sein Vater bezahlte ihm das Kunst- und Musikstudium, aber erst mit 30 Jahren entschied er sich, seine Kunst ernsthaft zu betreiben.

Kandinsky ist nicht nur ein Expressionist, sondern auch der Pionier der abstrakten Kunstbewegung. Er setzte Farbe und Form in Beziehung, um ein Erlebnis zu schaffen, das alle Emotionen hervorrief. Er wollte Spiritualität durch Kunst vermitteln und eine ästhetische Erfahrung wie visuelle Poesie inspirieren.

Er bezog Musik stark in seinen Arbeiten ein und strebte danach, die Freiheit des Klangs in seinen Gemälden zu reproduzieren.

  • Top-Kunstwerke: Der Blaue Reiter (1903), Der blaue Berg (1908/9), Komposition IV (1911)
  • Geburtsort: Russland
  • Lebenszeit: 1866 - 1944
  • Kunststil: Expressionismus und abstrakter Expressionismus
  • Inspiriert durch: Post-Impressionisten
  • Kunstformen: Malerei
Van Gogh ist einer der berühmtesten Künstler des Expressionismus.
Van Gogh zählt zu den berühmtesten Expressionisten seiner Zeit. (Quelle: Unsplash)

Das berühmte expressionistische Werk "Zwölf Sonnenblumen in einer Vase" (1888)

Van Goghs Sonnenblumengemälde gehören zu den berühmtesten Gemälden seiner Sammlung. In Südfrankreich malte er eine Serie von 5 Sonnenblumenbildern in einer Vase. Sieht man genauer hin, fällt einem auf, dass Van Gogh nur wenige Farben verwendet hat, denn er wollte beweisen, dass man mit nur einer einzigen Hauptfarbe malen kann.

Er malte die Serie, um Dankbarkeit, Glück und Hoffnung zu vermitteln. Die Farbe, die er benutzte, war ein neues und nicht dauerhaftes Gelb, weshalb das Bild heute von seiner früheren Pracht verblasst ist. Van Gogh benutzte diese vergänglichen Farben absichtlich und wird zitiert, dass Gemälde wie Blumen verblassen. Die Bilder haben kühn mit leuchtenden, lebendigen Farben begonnen und sind im Laufe der Jahrhunderte langsam verblasst und in ihrer Lebendigkeit gedämpft worden.

Die Höhepunkte des Barock

ab 1600

Barockkünstler wie Caravaggio wurden von der Kirche und religiösen Institutionen beauftragt, extravagante Kunstwerke zu schaffen. Wenn auch nicht ausschließlich, hob das Werk die Macht der katholischen Kirche hervor. Gemälde, Gebäude, Musik, Literatur und Tanz brachten den Stil zum Ausdruck.

Der Barock-Künstler Van Dyck

Sir Anthony van Dyck wurde im belgischen Antwerpen geboren und seine künstlerische Laufbahn begann früh mit seinem ersten Gemälde im Alter von 17 Jahren. Im Alter von 20 Jahren stand er bereits im Dienst des Königs von England, wo er einer der führenden Maler am Hof wurde. Da er sein Handwerk leidenschaftlich verfolgte, reiste er für längere Zeit nach Italien und in die Niederlande, um mehr Inspiration und Erfahrung zu sammeln. Als er an den englischen Hof zurückkehrte, war er bereits sehr bekannt und erfolgreich. Er ist für seine Porträts von König Karl I. bekannt.

  • Top-Kunstwerke: Karl I. auf der Jagd (1635), Dreierporträt von Karl I (1635–1636), Amor und Psyche (1638)
  • Geburtsort: Antwerpen, Belgien
  • Lebenszeit: 1599 - 1641
  • Kunststil: Barock (europäische Kunst)
  • Kunstformen: Malerei

Das berühmte barocke Kunstwerk "Judith und Holofernes" (1612/12)

Dieses Gemälde von Artemisia Gentileschi (eine der wenigen weiblichen barocken Künstler) zeigt eine heroische Frau namens Judith und andere Figuren, die aus der Dunkelheit hervorbrechen.

Die Geschichte handelt davon, dass die heldenhafte Frau Judith einen Plan ausbrütete, um die Aufmerksamkeit des Generals Holofernes, der die assyrische Armee anführt, auf sich zu ziehen. Dieselbe Armee, die ihre Stadt Bethulia belagert hat, die im Begriff war, die Schlacht zu verlieren. Judiths Plan funktionierte perfekt und so betrank sich Holofernes bis er schließlich einschlief. Unterdessen enthauptet Judith mit Hilfe ihrer Magd den General mit seinem eigenen Schwert und rettet ihre Stadt so vor dem Untergang.

Die Gliedmaßen der Frauen und des Generals führen das Auge  des Betrachters direkt zur Enthauptung. Judiths Hand fesselt Holofernes' Haare und dreht ihn zu uns. Er ist machtlos und kann nichts anderes tun, als zuzusehen und sein Schicksal abzuwarten. Der Farbkontrast und das Spiel mit dem Licht bringt unseren Blick direkt auf diesen Hauptpunkt des Geschehens.

Kunstrichtungen der Moderne unterscheiden sich sehr stark voneinander.
Kunstrichtungen der Moderne haben sehr unterschiedliche Hintergründe. (Quelle: Unsplash)

Während Pop Art Künstler Kunst mit ihrer persönlichen Erfahrung verbinden wollten, strebten Surrealisten danach, die Barrieren des Geistes niederzureißen. Während Kubisten die Dinge aus neuen Blickwinkeln betrachten wollten, ging es Expressionisten darum, ihre Emotionen auf der Leinwand auszudrücken. Impressionisten hingegen wollten aus dem Atelier rauskommen und das zu Kunst machen, was ihnen ins Auge fiel, während der Barock maßgeblich von der katholischen Kirche geprägt wurde, um Macht zu etablieren.

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Klara

Masterstudentin, die es liebt zu reisen, zu fotografieren, zu kochen und gemeinsam mit Freunden das Leben zu genießen.